Oscar Hammerstein

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Oscar Hammerstein

Oscar Hammerstein II fue un dramaturgo y compositor estadounidense que trabajó principalmente en comedias musicales. Nació en Nueva York en 1885, y murió en 1960 a la edad de 65 años. A lo largo de su vida ganó un Premio Pulitzer y dos premios Oscar, convirtiéndose en la única persona nombrada Oscar en ganar un Oscar.

Oscar Hammerstein el padre más joven era un hombre importante en el teatro, y desde muy joven poco Oscar fue rodeado por el mundo del teatro. Su abuelo, Oscar Hammerstein I, fue uno de los grandes innovadores en el vodevil, más conocido por haber inventado el gag castillos en la cara.

William Hammerstein, joven padre de Oscar, el Teatro Victoria gestionados por su padre, y quería Oscar para salir de la empresa familiar. Un hijo obediente, Oscar Hammerstein seguido los deseos de su padre y asistió a la Universidad de Columbia para estudiar derecho. Cuando su padre murió en 1914, sin embargo, se sintió liberado para buscar una vida en el teatro, y comenzó a tomar parte en obras de teatro locales.

Con el tiempo dejó la escuela por completo la ley para dedicarse a tiempo completo al teatro. Él forjó las conexiones con las cifras establecidas en Broadway, y empezó un aprendizaje que en definitiva llevaría a su primer musical, Siempre Tú, en 1921.

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Oscar Hammerstein colaborado con un número de diferentes personalidades de Broadway en los próximos años, por lo general por escrito el libro para sus musicales. En 1927 trabajó en Salón Náutico, uno de los musicales más famosos de la época temprana. Salón Náutico aparece un sello de Oscar Hammerstein, y uno de sus grandes contribuciones a teatro musical.

En lugar de construir las canciones y las rutinas que parecía a sentarse en la parte superior de la obra misma, creó obras que fluyó sin problemas de la trama real de la historia, y de las acciones y sentimientos de los personajes estaban experimentando.

Durante este primer período de una amplia colaboración también trabajó en la Selvática, muy cálido de mayo, Marie Rose, The Desert Song, La Luna Nueva, y Adeline dulce. Aunque ninguno de estos espectáculos fueron tan popular como los números más tarde iban a ser, ayudaron a cimentar su reputación como uno de los grandes escritores de Broadway.

A principios de la década de 1940 colaboró con Oscar Hammerstein, Richard Rodgers para ayudarle a adaptar una obra de teatro, Green Grow the Lilacs. Los dos trabajaron juntos extraordinariamente bien, y el resultado musical, titulado Oklahoma! tomó Broadway por la tormenta. Rodgers y Hammerstein llegaría a crear muchos de los musicales de Broadway por excelencia, como Carrusel, El Rey y yo, The Sound of Music, y el Pacífico Sur.

Oscar Hammerstein ganó un Premio Pulitzer en 1950 por sus Pacífico Sur, que era una adaptación del Premio Pulitzer 1948 ganando libro de James Michener, Cuentos del Pacífico Sur. También ganó un premio Oscar por la canción “La última vez que vi París” de Lady Be Good, y “bien podría ser la primavera” de la Feria Estatal.

Oscar Hammerstein murió en 1960, justo después de The Sound of Music se estrenó en Broadway. El espectáculo iba a ser un gran éxito en Broadway, y daría lugar a una adaptación cinematográfica en 1965 que sería el legado más perdurable de Hammerstein. Ver más en: Grundig, Hitachi, Miho Masui, militaria, Missoni, motor de hidrógeno, Nancy Geist, Nanos,

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El POS: los puntos de servicio y de venta

También conocido como el punto de servicio o POS, el punto de venta es el punto exacto en una transacción, cuando los bienes o servicios se proporcionan a los clientes y el pago se hizo de dichos productos. Aunque los detalles de un sistema de punto de venta pueden variar ligeramente de una situación a otra, el resultado final es siempre el mismo.

En la actualidad, hay profesionales que analizan y desarrollar herramientas que ayuden a crear un entorno para el intercambio tenga lugar, muchas de ellas relacionadas con situaciones específicas al por menor.

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Uno de los puntos más básicos de los sistemas de venta se encuentra en el supermercado. Este sistema consiste en el POS echa un vistazo a mostrador, un escáner, y la caja registradora. A medida que cada tema se analiza, el sistema toma nota de los costos.

Una vez que todos los elementos seleccionados por el cliente son escaneados, el sistema calcula los impuestos aplicables a las compras y ofrece al cliente el importe total adeudado. El cliente hace el pago, que el hardware para puntos de venta los registros, lo que genera un recibo de la transacción para el cliente.

Hoy en día, hay un nuevo giro a este tipo de punto de la estrategia de venta. Quioscos de autoservicio están utilizando cada vez más en los supermercados y otros minoristas. El terminal punto de venta permite al cliente escanear cada elemento antes de colocarlo en una bolsa, la aplicación automática de descuentos o precios de venta a cada elemento escaneado.

Una vez el cliente ha escaneado y envasadas por las compras, el sistema calcula los impuestos y ofrece al cliente varias opciones en forma de pago.

Cuando el efectivo se utiliza, el punto de venta al por menor de software de los registros de la cantidad de dinero en efectivo depositada y cuestiones ningún cambio debido al cliente. Al igual que con los sistemas de TPV más tradicional, este modelo de auto-servicio también ofrece al cliente un recibo detallado de la transacción.

Punto de venta de hardware y software se encuentran en otras situaciones de venta. Hay puntos de venta de sistemas de venta diseñado para su uso en las librerías, mercados de pulgas, y los aeropuertos.

En un restaurante, el punto de venta incluye equipos de pedidos automatizado en los quioscos que el cliente puede utilizar para hacer un pedido y realizar el pago. El POS restaurante es muy popular en muchos unidad de seguimiento de estilo restaurantes de comida rápida, pero también se puede utilizar para realizar sus pedidos de algunos restaurantes de estilo familiar, así.

Al igual que con los puntos de venta al por menor, el modelo de restaurante es capaz de aceptar tarjetas de crédito y de débito para el pago. Sin embargo, es inusual para un dispositivo POS restaurante a aceptar dinero en efectivo.

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Con el tiempo, punto de venta automática de los dispositivos son cada vez más popular, apareciendo en los hoteles, casinos, estadios deportivos, y lugares similares. La tecnología también ha hecho el punto de venta una opción para la compra en línea, por lo que es posible comprar productos en tiendas en línea y pagar por ellos de inmediato.

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La primera década del siglo 20 era aburrida y de transformación en la historia de “nuestro” de Broadway. Las semillas de transformación que se remontan a 1882, y la construcción del teatro del Madison Square en la calle 24. El Mallorys, que había construido el teatro, había empleado a un joven actor-manager de San Francisco junto con dos hermanos de la menor hacia el Este para ayudar a administrar el teatro.

David Belasco, quien tuvo la distinción de aparecer en el escenario con otro niño desconocido, Maude Adams, en San Francisco en 1877, pronto se convertiría en un dramaturgo, dueño del teatro y constructor.

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Los dos hermanos de la parte baja hacia el Este, por supuesto, Charles Frohman y Daniel. El primer signo de la transformación se produjo cuando el productor Rudolf Aronson decidió construir un teatro propio. En ese momento, el teatro se concentró entre Union Square y la calle 24.

Mientras mira por el espacio en la zona, Aronson fue abordado por un amigo que había un terreno baldío “camino” hasta la ciudad, en Broadway y la calle 39. La adquisición de la financiación de algunos de los magos más ricos de Hacienda de los días, los Gould, Roosevelt, los Vanderbilt y los Morgan, Aronson construyó un teatro espléndido en ese sitio. Cuando se inauguró en 1882, el Casino fue considerado el más bello ejemplo de arquitectura morisca fuera de España.

También se consideró demasiado lejos del centro de las cosas para hacer cada vez un beneficio. Lo hizo con modestia bien para los primeros diez años, ofreciendo no sólo la luz óperas y operetas, pero antes de Nueva York “jardín de la azotea”. Aronson fue derrocado en 1892, cuando su cambio de sede de vodevil fracasó. Pero había, bajo su dirección, trajo algunas de las estrellas más conocidas del teatro hasta la ciudad. Lillian Russell y Marie Dressler, estuvieron entre las estrellas que aparecieron por Aronson.

Daniel Frohman había salido la Mallorys, y está creando una compañía de repertorio y una reputación en el teatro Liceo en la calle 24. Había tomado David Belasco con él como el escritor de la casa “. Charles Frohman había comenzado su carrera como director independiente de profesionales del teatro y en 1893, abrió su propio teatro, El Imperio, a una cuadra del Casino. En noviembre de ese año, el Teatro Abbey abrió la puerta al lado del Casino, y la migración de la parte alta del teatro continuado.

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El Casino abrió el camino para una serie de empresarios para construir en las inmediaciones de la Plaza Longacre, un largo paseo marítimo abierto en Broadway cruzó la avenida 7. Siguiendo el ejemplo de Aronson, de la talla de Charles Frohman, Enrique Abadía, y Oscar Hammerstein y Shubert se encuentran entre los inversores y creadores de la nueva zona de los teatros.

La primera década de este siglo fue testigo de la creación de numerosos teatros en la nueva zona Longacre Square. Y, en 1902, cuando el hotel fue arrasada Pabst para permitir la construcción de tiempos que se construirá en ese lugar, Longacre plaza se convirtió en Times Square. nuevos teatros en el área incluyen la Victoria, en la calle 42 y la avenida Séptima., construida en 1899; la República, en la calle 42 del año 1900, la lírica, a pocos y al lado de eso, el New Amsterdam, ambos construidos en 1903.

Al año siguiente el teatro Lew Campos fue construido en la misma cuadra. Hubo varios otros construidos en el área de la Calle 39 hasta la calle 45, y algunos individuos emprendedores estaban progresando aún más la parte alta de Columbus Circle y Central Park West.

Belasco separado de Daniel Frohman y producía sus propios espectáculos, en general, el mismo estilo del melodrama y la comedia ligera que fue popular en aquel momento, y Charles Frohman se había convertido en una “estrella-fabricante”. Trabajo tanto en los Estados Unidos y en Europa, que había adquirido los contratos de un número de actores y actrices. Él tenía una rara habilidad para vincular ciertos roles a ciertas personalidades para maximizar su atractivo para el público. Un ejemplo es Maude Adams, que había crecido en el escenario, pero había poco o nada de “presencia”.

bolsos piel famosasFrohman logró hablar James Barrie en escribir un guión de su novela, The Little Minister, como un vehículo para la señorita Adams. Producido por primera vez en Drury Lane, luego en Nueva York, tanto en el juego y la señorita Adams fueron recibidos con entusiasmo. En 1901, la señorita Adams, en su segunda obra de Barrie, Quality Street, fue un empate financiables taquilla.

En 1905, nuevamente atacado Frohman Barrie para escribir un guión de una de sus novelas, una obra de teatro sobre improbable caimanes y los piratas, canguro perros, los niños pequeños atrapados en eterna infancia y un carácter que era un punto de peregrinaje de la luz. Cuando Maude Adams se acercó a la plataforma y le preguntó si el público cree en las hadas, el teatro estalló en carcajadas. Miss Adams, el juego y se convirtieron en leyendas Frohman teatro.

Ella desempeñó el papel durante ocho años y aunque Peter Pan no se hizo en un pleno derecho musical de Broadway hasta 1954, por Mary Martin, el juego siempre estuvo acompañada de música y Pedro siempre cantaba una canción o dos, por lo general las canciones que eran populares en el tiempo.

Teatro durante la “década de los noventa Gay” era todavía una producción de conjunto. Estrellas y sus “golpes” eran todavía de embalaje de sus troncos, y desde camiones y autobuses no estaban disponibles, se subieron a los trenes, a menudo con las estrellas más en sus coches privado, para tener en sus shows en el camino. Viajando a través del país, la denuncia de las paradas y una noche en pie-fueron muy lucrativas para los artistas.

Para asegurarse de que sus estrellas se las lucrativas rutas y teatros a lo largo del camino, sobre todo en las ciudades más pequeñas, Charles Frohman instigado la creación del “Sindicato”. Recogieron las estrellas, las obras de teatro y los teatros de toda la temporada. Aunque Erlanger controlada el Sindicato, la influencia Frohman era tal que él controlaba el tiempo abierto para cientos de teatros en todo el país. Sus estrellas, y él, hizo grandes cantidades de dinero.

La segunda señal de la transformación fue la aceleración del argumento de “realismo” en el teatro. Dos dramaturgos se introdujeron para aficionados al teatro de América en los años noventa que, de modo alienta el cambio o simplemente revela que los estadounidenses eran más sofisticados que los árbitros autoproclamado de la moral pública. Tanto Henrik Ibsen y George Bernard Shaw había obras producidas por empresas estadounidenses.

Diferentes estilos tal vez, con diferentes enfoques e intenciones, que eran el pensamiento del hombre (o mujer) juegue. Mientras que en el momento en que cada uno tenía solamente un seguimiento de culto, no pasaría mucho tiempo antes de que sus trabajos fueron recibidos con entusiasmo.

Además, dos actrices dejaron en claro que el “realismo” era la ola del futuro teatro estadounidense. estrella europea, Eleonora Duse, relativamente desconocido en los Estados hizo su debut en el Teatro de la estrella en un compromiso de cuatro semanas. La Sra. Duse cree que el arte de “actuar” era reproducir lo que sería, si los acontecimientos en el escenario se está viviendo en estos momentos por los participantes. Se hizo evidente para el público, colegas y críticos, que la Sra. Duse sabía lo que iba.

En el mismo año, (1893), Minnie Maddern, que había dimitido de la etapa para abordar la parte de la dama de sociedad después de casarse con Harrison Grey Fiske, volvió a los escenarios. El Sr. Fiske era propietario y editor del Mirror Dramático. función elegida la señora Fiske fue Nora en Casa de muñecas, que ella también se realizan sin “dramatizar” la parte. Al igual que Camille a principios de siglo, las primeras producciones de Ibsen se “purifica”, y que han causado revuelo poco, pero el estilo en que se presentaron se observó por la crítica y del público.

El Shubert apenas empezaban a hacer su marca. Tres hermanos que dirigían una cadena de teatros en Nueva York hasta el estado, los Shubert, Samuel, Lee, y Jacob, arrendado un teatro en Manhattan y no tardaron en construir otros. Poco a poco la adquisición de teatros en todo el país, que comenzó a producir y financiar las obras de otros “independientes”: independientes del Sindicato que es. Junto con otros productores y un grupo de destacados actores, la oposición entre el Sindicato y los Independientes se convirtió en una guerra de clases hasta mediados de la segunda década.

Ahora que el escenario está listo para el primer decenio del nuevo milenio, vamos a echar un vistazo a lo que estaba ocurriendo en la primera década de esta Nueva Era.

En 1900, Broadway (Broadway que nos interesa) se extendía desde el Teatro Estrella en la calle 13, al Teatro de Nueva York sobre la calle 45. Los clientes pagaban 1,50 dólares a 2,00 dólares cada uno para los mejores asientos para ver a sus estrellas favoritas. En el Teatro Casino, una producción británica llegó a la ciudad.

Florodora, una obra sobre el romance y el perfume en una isla en las Filipinas, había un grupo de bellas damas girar sombrillas y una serie de señores con trajes galantes mañana cantando “Tell Me bella damita” para ellos. La canción, el juego y todas las chicas se convirtieron en favoritos instantáneos. Florodora fue un gran éxito. El programa continuó durante 553 representaciones y fue revivido muchas veces.

Todos los seis de los “Doncellas Pretty” se convirtió en las esposas de millonarios en pocos años. Aunque no es un miembro del reparto original, de 16 años, Evelyn Nesbit, la chica famosa en un columpio, se convirtió en una Chica Florodora. Siguió a una mayor fama en 1906, cuando le disparó y mató a marido celoso arquitecto Stanford White, su amante versátil, pero lamentable, en una producción de mamzelle Champagne, en el Teatro del Madison Square. Casa Blanca, donde se instaló el trapecio infame de terciopelo rojo, todavía se puede ver en West 24th Street.

Tal vez la producción de Shakespeare más famoso del nuevo siglo fue Sarah Bernhardt, Hamlet, en 1901, interpretada en francés, no menos. La señorita. interpretación Bernhardt fue menor que recibió amablemente, y al final de su gira que nunca se comprometió a regresar a América. Cumplió su palabra también, hasta 1906.

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Historia de Broadway XX

En el mismo mes en que Berlín abrió su show en el Teatro Broadway, en el American Theater, a la hora del almuerzo comenzaron como locos jugando a cada turno sucesivas de los trabajadores en un astillero de Brooklyn. La intención de estos locos “fue para levantar la moral y la productividad en las plantas de la guerra que se visitaron diferentes.

El racionamiento de la gasolina y los neumáticos y las prioridades de la posibilidad de trasladar tropas y material en los trenes penetran profundamente en las producciones de espectáculos y producciones de gira fuera de la ciudad se ve muy reducida. producciones de verano de valores se redujeron los informes, hasta en un 50%. Broadway fue tan fuerte en el apoyo a este esfuerzo de la guerra como lo había sido durante la Primera Guerra Mundial.

mejores musicales historiaComo lo hizo para el cine, la guerra siempre un montón de material para los escritores de Broadway. Sidney Kingsley Los Patriotas ofrecen los ideales democráticos de Washington, Jefferson y Hamilton (172 actuaciones), y Maxwell Anderson La víspera de San Marcos, una tierna historia de amor truncada por la muerte de un soldado corrió para 306 actuaciones

James Gow y Arnaud d’Usseau siempre que el mañana anti-nazi del Mundo protagonizada por un niño de 12 años Hoffner Saltar.

Sorprendentemente, la serie sobre un niño cuyo padre fue asesinado por los nazis, que luego hizo el hijo de uno de ellos, corrió para 499 actuaciones y Hoffner replicado su papel en la película de 1944. En enero de 1943, Ethel Merman unió de nuevo con Cole Porter para la producción de algo para los chicos.

Una historia simple de los militares, su herencia, y una niña que recibió señales de radio en los dientes. Un año después, más de 21 por Ruth Gordon basa en parte en su vida con Garson Kanin y una parte en la vida de Dorothy Parker cuenta la historia de un soldado y su mujer escritora.

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En 1939, tras el cisma entre el Teatro Guild y el grupo de teatro, Langner Lawrence y Helburn Terry asumió la gestión administrativa total del Gremio de Teatro. La década que Langner ha llamado “el año vacilando” terminó, y mientras la primera temporada (1939-40) fue un éxito, con obras como El tiempo de tu vida, Historias de Filadelfia, no habrá noche y la quinta columna, el de la segunda temporada (1940-41), no era tan admirable.tienda online abalorios 0044

Langner poner parte de la culpa a las crecientes dificultades de producción se ajusta a las exigencias de la guerra en Europa, y el tiempo que dedicó al desarrollo del Consejo de Inventor Nacional en Washington, DC y la que Terry Helburn y productor asociado del gremio, Armina Marshall (Sra. Lawrence Langner) estaban dedicando al esfuerzo de guerra del Ala Teatro.tienda bisuteria lowest 00166

Hubo una serie de eventos que se sentía orgulloso de Langner en esa temporada, sin embargo, y quizás la más memorable fue la primera producción de Tennessee Williams “juego de cuerpo entero, La Batalla de los Ángeles. La obra cierra después de un compromiso muy corto en Boston, donde tanto los críticos ya los abonados del gremio que recorrió en la base de que la obsesión religiosa de uno de los personajes, y el tema de una frustrada mujer gentil sur de gestión de los asuntos bajo el dormitorio de su marido paralítico eran moralmente corruptos.vestidos moda mujer verano 6644218

A causa de este fracaso por la prensa y el público para reconocer los retratos psicológicos de la obra, el Gremio perdió la oportunidad para producir tanto El zoo de cristal y Un tranvía …. También perdió a la Cofradía, la posibilidad de presentar las primeras ofertas de un dramaturgo segundo joven que, al igual que Williams, había estado estudiando bajo la tutela de John Glassner Helburn y en la New School. Arthur Miller optó por otras organizaciones para producir tanto, All My Sons, y la Muerte de un viajante “, tras el fracaso de Boston de la producción Williams. En 17 años, la Batalla de los Ángeles llegará a Broadway como Orfeo desciende.

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La temporada siguiente, (1941-42) fue igualmente desalentador para el gremio. Con el resurgimiento de Ah desierto conseguir un público indiferente, y los rivales con sólidos LeGallienne estrellas Eva y Bobby Clark llevar una producción fuerte, pero sin provecho, el Gremio estaba desesperada por una nueva producción rentable para cubrir las pérdidas de los dos años anteriores. Helburn, Langner y Marshall había estado luchando con la idea de crear un musical, y había optado por intentarlo con una propiedad que ya había dicen; Crecer autobiográfica Lynn Riggs Verde de la Lilacs.

Richard Rodgers se había convertido en un vecino de la Langners en Connecticut, y Langner se le acercó con la idea. Rodgers, quien había estado colaborando con Lorenz Hart durante varios años, tenía miedo. Hart estaba enfermo, lo que hace improbable que otra colaboración. En retrospectiva, fue la creación de una dirección totalmente nueva para el teatro musical.

Rodgers admiraba la obra de Oscar Hammerstein Jr. como letrista y escritora de libros, Hammerstein había admirado el estilo de composición de Rodgers. Los dos habían trabajado juntos en programas de escuela, mientras que los dos eran estudiantes que asisten a la Universidad de Columbia. Los dos se presentaron y fueron los contratos firmados.

El libro se terminó a finales del verano de 1942, y la búsqueda de puesta en escena y los miembros del elenco comenzó de inmediato. Con las arcas de la Cofradía tan cerca de vacío, también hubo una lucha desesperada de los fondos de producción necesarios. Alfred Drake y Roberts Joan fueron elegidos como “Curly” y “Laurie” Holm, Celeste para “Ado Annie”.

Sobre la base de la producción visual de Los Piratas, una coproducción de la Cofradía y de la compañía del dramaturgo, Lunt y traje Fontanne y escenógrafos, Blanco Miles y Lemuel Ayers fueron contratados. Rouben Mamoulian se le ofreció la silla del director y aceptado.

El crédito final fue Agnes De Mille, que había regresado de Inglaterra a continuar con su baile y coreografía y ha finalizado recientemente un ballet folklórico, Rodeo para el Ballet Ruso de Monte Carlo en Nueva York. Rodgers y Hammerstein amaba la naturaleza del ballet folclórico y fue contratado De Mille. La obra se estrenó el 11 de marzo de 1943 en New Haven con el nombre, Away We Go. Con muy poco de ajuste, (Mamoulian optado por cambiar la iluminación para resaltar el drama de ciertas escenas) de la obra, finalmente abrió sus puertas en el St. James el 31 de marzo, como Oklahoma!.

Por primera vez, música, comedia, drama, baile, y puesta en escena estaban totalmente integrados para producir un espectáculo único: un musical en la que el coro no apareció hasta después de 40 minutos impares se levantara el telón, una comedia, que más bien violenta mató a un personaje principal. La dirección iniciada por Jerome Kern en muy buen Eddie, en 1915, y más tarde en Showboat, en 1927, había encontrado por fin su madurez.

El espectáculo parecía un éxito instantáneo con los aficionados indignados de que los revendedores se levantaban a 12,00 dólares para los asientos de la orquesta que se vendió en la taquilla de 4,40 dólares. Pronto se hizo evidente que un segundo modelo sería necesaria para cumplir los compromisos de gira. Oklahoma! duró cinco años en el St. James, el registro más de 2200 actuaciones.

Cuando el ámbito de aplicación de Oklahoma! ‘S éxito se realizó, el Gremio se acercó a Rodgers y Hammerstein para transformar otra propiedad en un musical. El gremio ofrece Liliom Molnar. Indecisas a comenzar, la pareja finalmente accedió y el establecimiento fue cambiado de Budapest a Maine, permitiendo que el equipo de Rodgers y Hammerstein la libertad de escribir en su propio estilo puramente americano.

El resultado de esta colaboración fue, por supuesto, Carrusel. Creado por el equipo de producción casi igual que Oklahoma!, Con la excepción de la diseñadora de vestuario, que se inauguró en abril de 1945 en el Majestic, a través de la calle del St. James, donde Oklahoma! estaba en ejecución. Buen precio de taquilla fue de $ 6,00, incluso superior a su predecesor en la calle. John Raitt interpretó “Liliom”, ahora llamado “Billy Bigelow”, y Jan Clayton fue “Julie”.

Desafiando las convenciones estándar de teatro musical del niño y una niña de cooperación para el felices para siempre al final, Rodgers y Hammerstein creado un drama oscuro musical. La forma del libro musical había sido definitivamente establecido. La música, la lírica y la danza son finalmente trabajando juntos para contar una historia además de entretener, y el musical ya no es un medio de evasión, sino una información y una sugerente.

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Ella comenzó su gira en febrero y jugó rentable en todo el país. En mayo, el núcleo del Teatro Repertorio Cívico se estableció y se están aceptando donaciones para promover la creación.

El Teatro Cívico: En junio de 1926, LeGallienne había firmado un contrato de arrendamiento en el viejo Teatro la calle Catorce. Construido en 1866, tenía una gran historia e impresionante, pero había caído en tiempos difíciles y fue prácticamente abandonada.

El teatro sentados 1100 clientes incluyendo una amplia galería de los asientos 0,50 dólares que LeGallienne previsto. El teatro abrió sus puertas en octubre con las actuaciones de la noche del sábado, Las tres hermanas y pequeña empresa de LeGallienne de valores de Ibsen, La Locandiera Goldoni, Susan Glaspell de los herederos, y un toque de Shakespeare. Debutó su Noche de Reyes el día de Nochebuena.

LeGallienne publicidad en todos los periódicos en lengua extranjera, y su público era una mezcla de cola de los inmigrantes, estudiantes y aficionados al teatro Uptown, que eran más de las actuaciones exuberante entregados por esta compañía. Alexander Woollcott dijo que “es la nueva vida en el” teatro, y otro crítico dijo que “el” Civic Repertory Theater … [es] uno de los acontecimientos más importantes no sólo en la historia del teatro norteamericano, pero en la historia de América …”. LeGallienne había ofrecido su compañía las 20 semanas de trabajo. La temporada de ampliarse a 30 semanas con una visita exigió que siguió de cerca la temporada del teatro.

El Repertorio Cívica, además de ofrecer gran teatro a precios asequibles a cualquier parte de la población, también resultó ser un campo de entrenamiento para algunos nombres interesantes. Al principio de la historia de la Rep fue la adición de Josephine Hutchinson, quien hizo una deliciosa “Alice” en Alice LeGallienne de las maravillas. Katherine Hepburn también se aplica, para perfeccionar su arte, pero se le negó la entrada a la empresa pequeña agosto porque no había espacio para otra ingenua.

Miss Hepburn ha dicho: “Yo quería trabajar con Eva, porque ella entendió que yo no era hermosa, sino que pretender ser”. La implicación es que LeGallienne podría hacer que la gente “ver” lo que ella quería que ellos vieran, y tuvo la habilidad de pasar ese talento en. Nazimova unió a la compañía el Repertorio Cívica en 1928 a su regreso de Hollywood.

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Mientras que la temporada de teatros de Broadway para 1928-29 fue desastrosa, Cívico LeGallienne de lo excepcionalmente bien, tanto la crítica como económicamente. Mientras que los fondos de los partidarios ricos se estaban secando como consecuencia de la crisis de 1929, fue LeGallienne que reciben fondos de los estudiantes, clubes de mujeres, y los círculos puente – cientos de donantes individuales que desean tener un ladrillo en la visión de un Teatro Nacional.

Estas donaciones, más el éxito de las actuaciones de su compañía, mantuvo la promesa y la visión viva hasta bien entrada la próxima década. La familia de la Rep Civic creció hasta incluir May Sarton, Burgess Meredith, Jacob Ben-Ami, Howard De Silva y Maddern Merle.

Rose-Marie teatro musical durante este período fue también está cambiando. La opereta se estaba convirtiendo en cosa del pasado. Esto no quiere decir que Rose Marie Rudolph Friml no fue bien aceptada cuando se inauguró en septiembre de 1924. Con letras de Oscar Hammerstein y Otto Harbach, el espectáculo tuvo una racha de 557 actuaciones, que fue considerado muy exitoso para los estándares del día. Su popularidad fue renovada en 1936, cuando se convirtió en un vehículo de la película para Jeanette MacDonald y Nelson Eddy, pero la forma de opereta estaba viendo su desaparición, o más bien, una síntesis.

Fanny Brice Vaudeville, también estaba experimentando un cambio. El clásico “revistas” (Ziegfeld, Carroll y White) fueron la cooptación de los mejores actos de vodevil como Fanny Brice y Eddie Cantor en el título de su muestra – junto con vaudevillians compañeros de WC Fields, Ed Wynn, Sophie Tucker, y Will Rogers – se deja Vaudeville en una transición hacia la bawdier “obras burlescas”.

Un ejemplo de la presión Vaudeville se enfrenta puede ser ilustrada por el hecho de que, cuando Sophie Tucker abre su temporada de dos al día-en el Palacio en 1926, se realizó al mismo tiempo su acto de cabaret. Esta es la primera vez que los administradores de Keith-Albee permitido que esto suceda. Vaudeville era desesperada para los “financiables” estrellas.

La opereta fue en general una comedia ligera, se basan mucho en la música para entregar la historia deriva de una tradición clásica europea o, más correctamente, una tradición clásica alemana-austriaca. Durante la Primera Guerra Mundial, con sentimientos de alta correr contra cualquier cosa vagamente considera “alemán”, que había sufrido en su popularidad. estilo de Cohan, que era la forma predominante de comedias musicales, fue alto en la comedia con la música de baile y los segmentos de “pegar pulg”

Si bien las nuevas canciones fueron escritas para espectáculos, también era una práctica común de las canciones de inserción de espectáculos anteriores, o para trabajar las canciones populares en un guión. El personaje había sido siempre la fuerza decisiva en la selección de la música elegida. Con el avance de la carrera de Jerome Kern, y siguiendo un principio que había comenzado con muy buen Eddie en 1915, la música empezó a formar y definir el personaje.

Eso suena como un doble lenguaje, pero es una distinción muy sutil. Para entender la diferencia la hizo, examinar las diferencias entre No, No, Nanette, escrito en el “Cohan” estilo que se abrió en septiembre de 1925 (570 actuaciones), y Salón Náutico, que se inauguró 27 de diciembre 1927, con la mayor antelación todavía a la venta registrada.

No debe pensarse que Kern, con sus colaboradores, había estado moviéndose constantemente hacia Salón Náutico. Él había creado en el “Cohan estilo”, Sally en 1920, y Sunny en 1927. Ambos programas han sido criticados como “revistas” del momento como comedias musicales. Ambos fueron creados para Florenz Ziegfeld, y sabemos cuál es su idea de teatro. Esta colaboración de Kern, Hammerstein y letrista Otto Harbach de Salón Náutico se basó en las nuevas teorías de Kern’s de lo que un musical podría ser y lo que la música y las letras deben hacer.

Showboat La transición del teatro musical es completa en el Showboat. De “¿Dónde está el Mate for Me” a “No se puede ayudar al hombre Lovin ‘Dat” a “Only Make-creer” a “Are You Love” a “Bill”, las canciones definir personajes y las relaciones y el progreso de la historia. No son “creadas” en la secuencia de comandos, pero en realidad crear y prepararse para la continuación de la escena.

Anunciado como el “All American Comedia Musical”, Salón Náutico parece haber roto todas las tradiciones del teatro de comedia musical. Se refirió al “adulto” temas del racismo, el mestizaje y el matrimonio disfuncional. El show fue tan exitoso que recorrió durante casi un año después de su funcionamiento de Broadway terminó (575 actuaciones), con su estrella, Norma Terris, siendo reemplazado por su suplente, la señorita Irene Dunne.

Salón Náutico fue tan popular y rentable que Flo Ziegfeld, el productor, revivió el show en 1929, cuando el papel de Joe, previamente interpretado por Jules Bledsoe, fue asumida por Paul Robeson – que se había retirado de la función en el original debido a los retrasos en la producción. Al tratar otros temas de la confusión de identidades, eds cooperación y una multitud de golpear puertas, y los ajustes sin líneas de coristas, Salón Náutico abrió el camino a producciones como Porgy and Bess, Carrusel, el Pacífico Sur, Cabaret y Sweeney Todd.